60º Festival Internacional de Cine en San Francisco: cine latino

Alejandro Jodorowsky, Hong Sang-soo, Amat Escalante, los hermanos Dardenne, Brillante Mendoza, Peter Bratt, Cristi Puiu, Natalia Almada, James Ivory, Eleanor Coppola, George Lucas, Albert Serra, Ramona Diaz, Matías Piñeiro…

El festival de cine con más larga trayectoria en las Américas apuesta por lo seguro para celebrar su 60 cumpleaños. Películas de cineastas consagrados, atesoradas por su éxito en otros festivales, y con distribución asegurada.

Serán más de 100 películas representando a 51 países las que se mostrarán del 5 al 19 de abril en el sexagésimo Festival Internacional de Cine en San Francisco.

Fiel a su público, el festival anual organizado por la SF Film Society continúa con su programación internacional de marcada herencia europea, liderada por Francia y Reino Unido, y de películas estadounidenses independientes con especial atención al cine local hecho en el Área de la Bahía.

Además, en esta 60º edición el cine latino tiene muy buena representación, de la cual hacemos recuento a continuación.

Exagerada y brillante, Poesía sin fín es la esperada nueva película del admirado cineasta chileno de culto Alejandro Jodorowsky [El topo (1970), La montaña sagrada (1973), Santa sangre (1989)]. Interpretada por su hijo y él mismo, el filme autobiográfico constituye un deleite para los sentidos.

Entre los pesos pesados del cine de autor destaca sobremanera la escalofriante La región salvaje, del mexicano Amat Escalante [Sangre (2005), Los bastardos (2008), Heli (2013)]. Muy diferente a lo que nos tenía acostumbrados, Escalante se adentra en la ciencia ficción al estilo Andrei Tarkovski con este su cuarto largometraje.

Íntima, llena de vitalidad y naturalismo, Hermia & Helena es la cuarta entrega tras Rosalinda (2011), Viola (2012) y La princesa de Francia (2014) del argentino Matías Piñeiro inspirada en la obra de William Shakespere. Gira en torno a una joven argentina que viaja becada a Nueva York para traducir “Sueño de una noche de verano”.

Sombría y observadora es La mort de Louis XIV, obra maestra del director catalán Albert Serra [Quixotic/Honor de Cavelleria (2006), Història de la meva mort (2013)], la cual acompaña en su lecho de muerte al denominado Rey Sol, que reinó durante 72 años en la Francia de los siglos XVII y XVIII.

Del también catalán Isaki Lacuesta [Los condenados (2009), Los pasos dobles (2011)] se mostrará La propera pell, codirigida con su guionista habitual Isa Campo, con sólidas actuaciones y ambientada en un pueblito de los Pirineos.

Y la humorística y simbolista O Ornitólogo del portugués João Pedro Rodrigues [O Fantasma (2000), Morrer Como Um Homem (2009)], en torno a un ornitólogo que se embarca en un viaje físico y metafísico en el noreste de Portugal.

De la Argentina, El invierno, ópera prima de Emiliano Torres, sobre la relación entre un pastor de ovejas y su ayudante en la Patagonia, y El futuro perfecto de la alemana Nele Wohlatz, en torno a una hija de inmigrantes chinos en Buenos Aires que quiere aprender español pese a la oposición de sus padres.

De Chile, Vida de familia de Alicia Scherson [Il Futuro (2013)] y Cristián Jiménez [Bonsái (2012)], adaptación de un cuento de Alejandro Zambra sobre un hombre que toma la casa que está cuidando mientras sus dueños están de vacaciones. Y la producción estadounidense experimental El Mar La Mar del artista interdisciplinario Joshua Bonnetta y el antropólogo J.P. Sniadecki, exquisitamente filmada en el desierto de Sonora, con una banda sonora e imágenes envolventes.

En el ámbito local, destaca la presentación del documental Dolores, acerca de la cofundadora de la Unión de Campesinos de California, dirigida por Peter Bratt, oriundo de San Francisco, quien regresa al Castro Theater ocho años después de estrenar La Mission.

En la sección a concurso, competirán por los premios Golden Gate Todo lo demás, de la realizadora mexicana Natalia Almada, quien se estrena en la narrativa tras sus sólidos documentales Al otro lado (2005), El general (2009) y El velador (2011), un íntimo retrato de una burócrata frustrada; y la inventiva y sagaz El auge del humano, ópera prima del argentino Eduardo Williams, dividida en tres partes que suceden en Argentina, Mozambique y las Filipinas, diluyendo los planos de realidad.

Entre los documentales a competición figuran la española Donkeyote de Chico Pereira, sobre un personaje quijotesco, soñador que deambula por el campo junto a un burro y un perro en el sur de España; y la estadounidense Brimstone & Glory, del alemán Viktor Jakovleski, filmada en la Feria Nacional de la Pirotecnia en Tultepec, Estado de México, con cámaras GoPro, imágenes abstractas y una notable partitura musical.

Durante dos semanas, el festival acogerá a un sinfín de invitados que nos acompañarán en la presentación de sus películas, entre ellos Alicia Scherson, Eduardo Williams, Natalia Almada, Chico Pereira, Nele Wohlatz, Peter Bratt y Dolores Huerta.

Dos nuevas salas de proyección, el SFMOMA y el Dolby Cinema, así como un mayor protagonismo del Yerba Buena Center for the Arts que acogerá presentaciones y será sede de la taquilla central del festival, son novedad en esta 60º edición. Los cines Castro, Roxie, Victoria y New Mission también mostrarán películas como en años anteriores, así como el Pacific Film Archive de Berkeley. Los precios de los boletos son $15.

Para información más detallada, visiten www.sffilm.org/festival

Todo lo demás [Everything Else] (Natalia Almada, México/USA/Francia, 98 mins)
April 6, 6:00 p.m., SFMOMA
April 7, 3:30 p.m., Roxie Theater
April 14, 3:00 p.m., Roxie Theater

La mort de Louis XIV [The Death of Louis XIV] (Albert Serra, Francia/España/Portugal, 115 mins)
April 6, 8:30 p.m., BAMPFA
April 8, 8:30 p.m., YBCA Screening Room
April 12, 1:30 p.m., YBCA Screening Room

El Mar La Mar (Joshua Bonnetta y J.P. Sniadecki, USA, 94 mins)
April 6, 8:45 p.m., SFMOMA
April 12, 6:30 p.m., YBCA Screening Room
April 16, 8:15 p.m., BAMPFA

La propera pell [Next Skin] (Isaki Lacuesta, Isa Campo, España/Suiza, 103 mins)
April 7, 3:00 p.m., YBCA Screening Room
April 12, 8:30 p.m., Roxie Theater
April 13, 3:30 p.m., Roxie Theater

Dolores (Peter Bratt, USA, 98 mins)
April 9, 7:00 p.m., Castro Theatre

Poesía sin fin [Endless Poetry] (Alejandro Jodorowsky, Francia/Japón/Chile, 128 mins)
April 10, 8:30 p.m., Roxie Theater
April 19, 8:30 p.m., Roxie Theater

Hermia & Helena (Matías Piñeiro, USA/Argentina, 86 mins)
April 11, 6:15 p.m., Roxie Theater
April 13, 8:45 p.m., BAMPFA
April 18, 3:30 p.m., Victoria Theatre

Brimstone & Glory (Viktor Jakovleski, USA, 67 mins)
April 12, 5:00 p.m., Castro Theatre
April 14, 9:30 p.m., SFMOMA

Vida de familia [Family Life] (Alicia Scherson y Cristián Jiménez, Chile, 80 mins)
April 12, 8:45 p.m., BAMPFA
April 13, 6:00 p.m., Roxie Theater
April 15, 1:15 p.m., Alamo Drafthouse New Mission

El futuro perfecto [The Future Perfect] (Nele Wohlatz, Argentina, 65 mins)
April 12, 6:30 p.m., Roxie Theater
April 14, 8:45 p.m., BAMPFA
April 19, 4:00 p.m.,Victoria Theatre

El auge del humano [The Human Surge] (Eduardo Williams, Argentina/Brasil/Portugal, 97 mins)
April 14, 6:00 p.m., Roxie Theater
April 15, 8:30 p.m., YBCA Screening Room

El invierno [The Winter] (Emiliano Torres, Argentina/Francia, 93 mins)
April 14, 8:30 p.m., Alamo Drafthouse New Mission
April 15, 6:30 p.m., BAMPFA

O Ornitólogo [The Ornithologist] (João Pedro Rodrigues, Portugal/Francia/Brasil, 118 mins)
April 15, 8:30 p.m., BAMPFA
April 16, 5:00 p.m., SFMOMA

Donkeyote (Chico Pereira, Alemania/España/Reino Unido, 86 mins)
April 15, 5:30 p.m., SFMOMA
April 16, 6:00 p.m., BAMPFA
April 19, 4:00 p.m., Roxie Theater

La región salvaje [The Untamed] (Amat Escalante, México/Dinamarca/Francia/Alemania/Noriega/Suiza, 100 mins)
April 16, 8:00 p.m., Roxie Theater
April 19, 6:00 p.m., Victoria Theatre

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Guadalajara International Film Festival: A magnificent fiesta of Latino cinema now in its thirty-second year

The Guadalajara International Film Festival brought to a close its magnificent thirty-second edition with an awards ceremony at University of Guadalajara’s Cineforo last Friday, March 16, thus concluding a week full of cinema in which more than a dozen films stood out.

The two great winners of the Mexican festival devoted to Spanish-language cinema were the Cuban Santa and Andrés by Carlos Lechuga and the Mexican La libertad del diablo by Everardo González.

Santa and Andrés received awards for best Ibero-American narrative feature, best screenplay, best actress and a special jury award. The director of Melaza (2012) offers in his second feature another simple, captivating and vivid portrait of human relations, this time between an ostracized homosexual writer and a revolutionary woman who is in charge of guarding him in the rural Cuba of the 80’s.

The state-run Cuban Institute of Cinematographic Art and Industry (ICAIC) withdrew Santa and Andrés from the International Festival of New Latin American Cinema in Havana last December, pressured to pull the film from competition in the upcoming Havana Film Festival to take place in New York starting March 30, arguing that the story “highlights political persecution and aggressions that never took place on the island; it’s rewriting history.”

La libertad del diablo by Everardo González received awards for best Ibero-American documentary, best photography, best Mexican film and a prize from the press. The seventh documentary by the prolific Mexican filmmaker is a chilling tale about violence  as a result of drug trafficking in Mexico. Tortured and torturer men and women, young and old, narrate their particular horror stories wearing masks in front of the camera. La libertad del diablo secured its worldwide distribution at the Berlin Film Festival, Germany, last February.

In addition to this two great winners, Guadalajara’s festival awarded the Dominican film Carpinteros by José María Cabral, an interesting love triangle guided by the prison hand language, which received awards for best actor and a special jury award; Sueño en otro idioma by the Mexican Ernesto Contreras, an endearing fiction committed to the preservation of the indigenous languages, which received a prize for best performance by the protagonist couple; And As duas Irenes by the Brazilian Fabio Meira, a beautiful story about a girl filmed in the tropical savannah, which received prizes for best opera prima and photography.

In the documentary section, it is worth highlighting the El Pacto de Adriana by the Chilean Lissette Orozco, a personal exploration of the memory regarding the Pinochet dictatorship, which received a special jury award; And Etiqueta no rigurosa by the Mexican Cristina Herrera Bórquez, about a gay couple who fight for their rights in the homophobic city of Mexicali.

In the short films section, the winners were all women filmmakers: Aya by the Peruvian Francesca Canepa Sarmiento, filmed in a small town in Cusco, the animated short Cerulia by the Mexican Sofía Carrillo, and the documentary Berta Vive by the Honduran Katia Lara Pineda, about environmental activist Berta Cáceres, assassinated in 2016.

In the section devoted to unfinished feature films, the two big winners were Argentina’s Mi mundial by Carlos Morelli, about a boy who takes his family out of poverty by playing football, and Venezuela’s Infección by Flavio Pedota, a science fiction story about an epidemic of aggressive beings in Caracas.

Although they did not get any prizes, it is also worth highlighting the Cuban Últimos días en La Habana by Fernando Pérez, sort of a continuation of Strawberry and Chocolate (1994), beautifully lit, with memorable performances and agile dialogues; The Colombian La mujer del animal by Víctor Gaviria [The Rose Seller, 1998], excellent, uncomfortable and brutal, about the harsh reality of women in the slums of Medellín; Tesoros by the Mexican María Novaro [Danzón, 1991], a touching story of children filmed in a fishing community in Guerrero, México; And the two Mexican opera primas El silencio es bienvenido by Gabriela García Rivas, a sober atmospheric film about the deaf threat of violence, and Luis Ayhllón’s Nocturno, which shows an accomplished tone of intrigue and an attractive story.

Among the documentaries, it is worth highlighting Me llamaban King Tiger by Ángel Estrada Soto, about the fascinating and unknown story of Chicano leader Reies López Tijerina in New Mexico; And El maíz en tiempos de guerra by Alberto Cortés, who eight years after Heart of Time, returns to indigenous communities to make this wonderful film about corn.

The Guadalajara International Film Festival, organized by the University of Guadalajara since the 1980s, plays an important role for the Mexican and Latin American film industry. It is a springboard for the distribution and release of new films.

Good weather and countless night parties helped filmmakers, producers, sales agents, talent, distributors and other members of the Latino film industry close deals on the programming, purchase and distribution of films for us to enjoy on the screens in the near future.

Cine Sania’s new screening venue was an improvement over previous years and the service of taxis between the different venues in the city worked to perfection. The festival also revesited free outdoor screenings at Plaza Cataluña and presented the novelty of a ‘movie truck’ equipped with air conditioning and restrooms.

To learn about all the winners and titles presented at the 32nd Guadalajara International Film Festival, please visit FICG.mx.

 

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Festival Internacional de Cine en Guadalajara: espléndida fiesta del cine latino en su trigésimo segunda edición

El Festival Internacional de Cine en Guadalajara cerró una espléndida trigésimo segunda edición con la entrega de premios en el Cineforo de la Universidad de Guadalajara el pasado viernes, 16 de marzo, poniendo así broche de oro a una semana rebosante de cine en la que más de una docena de películas brillaron por su calidad.

Las dos grandes ganadoras del festival mexicano fueron Santa y Andrés del cineasta cubano Carlos Lechuga y La libertad del diablo del mexicano Everardo González.

Santa y Andrés recibió galardones a mejor largometraje iberoamericano de ficción, mejor guión, mejor actriz y premio especial del jurado. El director de Melaza (2012) ofrece en su segundo largometraje otro retrato —sencillo, cautivador y vívido— de relaciones humanas, esta vez entre un escritor homosexual y una revolucionaria que lo vigila en la Cuba rural de los años 80.

El Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos retiró Santa y Andrés del Festival Internacional de Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana el pasado mes de diciembre, así como de la sección a competición del Havana Film Festival de New York que comenzará el próximo 30 de marzo, argumentando que la historia “resalta persecución política y agresiones que nunca sucedieron en la isla; está reescribiendo la historia”.

La libertad del diablo de Everardo González recibió galardones a mejor largometraje iberoamericano documental, mejor fotografía, mejor película mexicana y premio de la prensa. El séptimo documental del prolífico cineasta mexicano es un relato escalofriante sobre la violencia en México como consecuencia del narcotráfico. Torturados y torturadores, jóvenes y adultos, hombres y mujeres narran su horror particular enmascarados frente a la cámara. La libertad del diablo aseguró su distribución mundial en el Festival de Cine de Berlín, Alemania, el pasado mes de febrero.

Además de las dos grandes ganadoras, el festival de Guadalajara premió la película dominicana Carpinteros de José María Cabral, un interesante triángulo amoroso guiado por el lenguaje carcelario de las manos, que recibió galardones a mejor actor y premio especial del jurado; Sueño en otro idioma del mexicano Ernesto Contreras, una entrañable ficción comprometida con la preservación de las lenguas indígenas, que recibió premio a mejor interpretación por la pareja protagonista; As duas Irenes del brasileño Fabio Meira, en torno a una joven adolescente y filmada en la sabana tropical, que recibió premios a mejor ópera prima y fotografía.

En la sección documental, destacó El Pacto de Adriana de la chilena Lissette Orozco, una exploración personal desde la memoria sobre la dictadura de Pinochet, que recibió premio especial del jurado; y Etiqueta no rigurosa de la mexicana Cristina Herrera Bórquez, en torno a una pareja gay que lucha por sus derechos en la homófoba ciudad de Mexicali.

En la sección de cortometrajes, los galardonados fueron todos realizados por mujeres: Aya de la peruana Francesca Canepa Sarmiento, filmada en pequeño pueblo de Cusco, la animación Cerulia de la mexicana Sofía Carrillo, y Berta Vive de la hondureña Katia Lara Pineda, sobre Berta Cáceres, activista medioambiental asesinada en 2016.

En la sección consagrada a películas inacabadas, las grandes ganadoras fueron la argentina Mi mundial de Carlos Morelli, sobre un niño que saca a su familia de la pobreza jugando al fútbol, y la venezolana Infección de Flavio Pedota, una historia de ciencia ficción sobre una epidemia de seres agresivos en Caracas.

Aunque se fueran sin premios, destacaron también la cubana Últimos días en La Habana de Fernando Pérez, una especie de continuación de Fresa y chocolate (1994), bellamente iluminada, con actuaciones memorables y ágiles diálogos; la colombiana La mujer del animal de Víctor Gaviria (La vendedora de rosas, 1998), excelente, incómoda y brutal, en torno a la cruda realidad de las mujeres en los sectores populares de Medellín; Tesoros de la mexicana María Novaro [Danzón, 1991], una entrañable historia de niños filmada en una comunidad de pescadores de Guerrero, México; y las óperas primas mexicanas El silencio es bienvenido de Gabriela García Rivas, sobrio filme atmosférico sobre la sorda amenaza de la violencia, y Nocturno de Luis Ayhllón, con un logrado tono de intriga y una historia atractiva.

Entre los documentales, destacaron Me llamaban King Tiger de Ángel Estrada Soto, sobre la fascinante y desconocida historia del líder chicano Reies López Tijerina en Nuevo México; y El maíz en tiempos de guerra de Alberto Cortés, quien ocho años después Corazón del tiempo, regresa a las comunidades indígenas para realizar este maravilloso documental sobre el maíz.

El Festival Internacional de Cine en Guadalajara, organizado por la universidad tapatía desde los años 80, juega un papel importante para la industria cinematográfica mexicana y latinoamericana, al servir de trampolín para la distribución y estreno de nuevas películas.

El buen clima y las innumerables fiestas nocturnas ayudaron para que cineastas, productores, agentes de ventas, talento, distribuidores y demás miembros de la industria del cine latino acordaran la programación, compra y distribución de películas para que así podamos disfrutar de ellas en nuestras pantallas en un futuro próximo.

La nueva sede del Cine Sania supuso una mejora respecto a años anteriores y el servicio de taxis entre las diferentes sedes de la ciudad funcionó a la perfección. El festival también contó un año más con proyecciones gratuitas al aire libre en la Plaza Cataluña y con la novedad de un ‘camión cine’ dotado con aire acondicionado y baños.

Para consultar el palmarés completo y todos los títulos que se presentaron en el 32º Festival Internacional de Cine en Guadalajara, visitar FICG.mx.

 

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Vida en la corrala: conversación con Marina Seresesky y Álvaro Lavín, realizadores de ‘La puerta abierta’

Vecindades en México, ‘projects’ en Estados Unidos, mesones en El Salvador, ‘estates’ en Inglaterra, conventillos en Argentina, ‘banlieues’ en Francia… En España se llaman corralas, edificios de viviendas donde la gente pobre y marginada vive como si fuera cárcel. Amontonada, con inevitables roces, pero también con camaradería.

Marina Seresesky filmó La puerta abierta en una corrala madrileña, con “un patio en el medio a donde dan todas las casas, por lo cual cuando tiendes la ropa o sales a regar las plantas tienes a tu vecino enfrente”, en palabras de la actriz argentina convertida en directora de cine.

“La vida se hace a puertas abiertas porque hay un flujo muy grande entre los vecinos”, dice Seresesky, quien vive en Madrid desde hace casi 20 años. “Se llevan bien pero también se llevan muy mal”.

Sirvan como referentes tebeos como “La familia Burrón” y “13, Rue del Percebe”, o películas como Gomorrah de Matteo Garrone o La Haine de Mathieu Kassovitz, los cuales suceden en espacios similares donde cohabitan un coro de personajes peculiares.

La puerta abierta es una película de tono agridulce, al tratar un tema duro con cariño y sentido de humor. A pesar de sus penurias, los entrañables personajes componen una orquesta humana y divertida.

Charlamos Marina Seresesky y el productor Álvaro Lavín tras el estreno mundial de La puerta abierta en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara, donde fue premiada con el mejor guión. Para Seresesky, su primer largometraje es una “evolución natural” del cortometraje que realizó en 2012, La boda, nominado al premio Goya y ganador del premio del público en el New York Short Film Fest.

La directora Marina Seresesky durante la filmación de ‘La puerta abierta’.

 ¿Cómo nació tu pasión por el cine?
Soy actriz. De teatro sobre todo. Empecé en Argentina, de donde yo soy. Luego ya me fui para Madrid, donde llevo casi 18 años. He estado al otro lado de la cámara mucho tiempo. Siempre escribía bastante y hace siete años empecé a escribir guiones. Y lo primero que escribí fue un corto.

El cortejo en 2010…
Uno anterior, El cortejo en 2010, La boda en 2012 y luego hice un documental. Funcionaron tan bien que fue un incentivo para mí. Y con Meridional Producciones, que siempre me ha apoyado en todo, decidimos embarcarnos en el largo. Hasta llegar al largo fue un camino lento pero sin pausa.

Y el cortometraje La boda recibió varios premios…
El cortejo también, pero La boda tuvo muchos premios importantes. Llegamos a la nominación de los Goya, que nos abrió muchas puertas. Un corto que habla de la inmigración de una manera como La puerta abierta, que es comedia y drama a la vez. Funcionó muchísimo, ha sido una suerte y un gran espaldarazo para nosotros ese corto.

El tema central de La puerta abierta, comentabas ayer después de la presentación, es la relación entre madre e hija, mientras que al tema de la prostitución recurriste para fortalecer la historia.
Sí, me parecía que le da una cosa mucho más trágica a la vida de esta mujer, Rosa, que vive tan encerrada en sí misma. Siendo prostituta y siendo una prostituta de esta clase, que está todas las noches en la calle, con frío o con calor, subrayaba la amargura que tiene. Y con la edad que tiene además, yo creo que acentuaba mucho el dramatismo del personaje.

Y la relación madre-hija que retratas en la película, ¿es como la tuya con tu mamá?
Está un poco inspirado. Las madres y las hijas muchas veces tenemos unas relaciones de amor y odio. En la película está en extremo. El personaje de la madre es una loca que se cree Sara Montiel y es muy mala, cosa que mi madre no es. Pero sí que tuve en una época una relación complicada y esas cosas aparecen en la película. En el fondo de esta relación tan traumática y tormentosa hay un gran cariño y amor, pero no saben cómo decírselo y tienen una manera de relacionarse muy mala.

Y el personaje transgénero de Lupita interpretado por Asier Etxeandia, ¿por qué recurriste a él?
Es una realidad de la corrala, este tipo de construcción donde vive mucha gente distinta. En esta corrala hay cubanas, hay rusas, hay un travesti… Era como ejemplificar cómo se vive ahí. Me pareció un personaje muy tierno el de Lupita. Me gustaba que este personaje, que siempre tenemos asociado al show y a una cosa más extrovertida, pudiera ser alguien muy tierno y muy buena amiga. Me gustaba esa polaridad del personaje y me servía para contar la historia.

¿Qué es la corrala, un tipo de estructura?
Sí, es muy madrileña. Tiene un patio en el medio a donde dan todas las casas, por lo cual cuando tiendes la ropa o sales a regar las plantas tienes a tu vecino enfrente. La mayoría de la vida se hace a puertas abiertas porque hay un flujo muy grande entre los vecinos. Bueno y malo, como en la película. Se llevan bien pero también se llevan muy mal. Hay mucho ruido, muchas voces, mucha música.

¿Cómo influyó este espacio tan reducido de la corrala en la producción?
[Álvaro Lavín, productor] Fue muy interesante hacer seguimiento del proceso de adaptación del plan de trabajo de Marina al espacio. En Madrid ponerte a alquilar un edificio entero, imagínate la locura que es, pero Marina nos facilitó mucho. Como tiene las cosas tan claras, lo que hubiera podido ser un enemigo enorme del rodaje en sí y que luego en el montaje se encontrara con demasiadas sorpresas, se convirtió en un aliado de la película.

Porque hace que esté teñida de esa angostura, de esa cercanía de la cámara al actor porque no hay más espacio. Pero estuvo muy condicionada. Fue una auténtica locura. La película tiene alma, no sólo por el guión que Marina nos presenta, sino por lo que ella consigue transmitir al resto del equipo. Y mucho más en un espacio tan reducido. En un espacio que no creo que llegaba a 100 metros cuadrados había días que estábamos 80 personas. Y aún así, la concordia que reinó en el rodaje, dirigido absolutamente por Marina y por la maravillosa complicidad que tiene con Carmen Machi.

Éramos una familia más de la corrala. Se abría la puerta y teníamos 15 vecinos. Se creó tal unión, tal comunión con todos los habitantes de esa corrala que nos hizo volar. Lejos de que se convirtiera en un obstáculo, se convirtió en una característica muy especial de La puerta abierta.

Y contribuyó a la sensación de encierro que transmite la película …
Sí, este encierro también era parte de la historia. La casa donde están encerradas. La madre que quiere siempre abrir la puerta y la hija que quiere cerrrarla. Para mí era parte de la metáfora de lo que se contaba en la historia. Rosa quiere que pase todo puertas adentro, porque también ella está puertas adentro al no querer salir de sí misma. La película es esto: el intento de abrir la puerta y que Rosa pueda salir a vivir la vida.

¿Se ensayó mucho? ¿Cuánto duró la filmación?
La filmación duró muy poco porque teníamos muy poco tiempo. Carmen Machi, la protagonista, es una actriz muy conocida y tiene muchísimo trabajo. Y como ella quería hacer la película a toda costa sólo teníamos un mes para rodar, lo cual exigió mucho del equipo, de la producción y de los actores. Lo que sí hicimos es ensayar mucho para no perder tiempo en el rodaje. Ésta es una película de actores que requiere una gran entrega de los actores. El trabajo con los actores, porque yo también soy actriz, es lo que más me gusta. Hablamos mucho entre todos. Más que para que se dijera la frase exacta, para entender lo que contábamos.

Y para lograr ese tono entre tierno, gracioso y serio de la película…
Exacto, eso es. Es complicado transmitir cuál es el tono de la película. Porque uno lee el guión y, a veces es difícil. Aunque gran parte esté en el guión, la sutileza y los pequeños detalles fueron saliendo con los ensayos y en el rodaje.

¿Cuáles son los planes para La puerta abierta? ¿Somos los primeros que la hemos visto aquí en Guadalajara?
[Álvaro] Sí, absolutamente. Nos vamos ahora a Sofía, Bulgaria, a un festival para primeras y segundas películas de los realizadores, y a Chicago Latino. Ya estamos en el San Diego Latino Film Festival que empezó el día 10. Y de ahí vamos Amsterdam. Y de ahí seguramente haremos London y Berlin Spanish Film Festival, que ya se han interesado por la película. Y luego estamos empezando los contactos de distribución para estrenar en España. Hemos tenido un mes y medio de cinco festivales fantásticos. Y ya estamos con otro proyecto, porque empezamos una coproducción…

Marina Seresesky (abajo, dcha.) fue galardonada con el premio a mejor guión por ‘La puerta abierta’ en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara, marzo de 2016.

Háblanos de ese nuevo proyecto.
[Marina] Es un cambio total. Es una película de suspense y de época que no tiene nada que ver con La puerta abierta. Habla sobre la fotografía post-mortem. Es un proyecto que leyó aquí una productora mexicana y se enamoraron del proyecto. Estamos en plena coproducción.

[Álvaro] Lo íbamos a rodar en Galicia pero ahora parece que los vamos a rodar en Mérida, México.

[Marina] Sí, seguramente la rodemos en Mérida, porque ahí hay mucha construcción de la época, porque necesitamos casas victorianas de la época, es 1860. Parte del reparto lo traeremos de España, entre ellos Carmen, la protagonista de La puerta abierta, pero el resto es todo mexicano, o sea que vamos a hacer una inmersión en el mundo mexicano.

¿Y rodar para cuando?
[Álvaro] A finales del año que viene. Tenemos ahora 3 días de trabajo muy intenso en México DF, presentamos Ibermedia, luego ya es presentar aquí… Ir un poco armando, porque será una película de más de 2 millones de euros que necesita un soporte financiero muy importante.

¿La puerta abierta cuánto costó?
[Álvaro] Costó 766,000 euros, que ahora mismo en España no sería ni bajo presupuesto, porque ha bajado todo tanto que ya hacer una peli por 800 mil euros es lo que era hacer hace dos años una peli de 2 o 3 millones. Es una peli muy pequeñita sacada con inversión privada de la sociedad. No un crowdfunding pero sí gente que ha dicho ‘yo quiero apostar por esto’ y pone 50 o 60 mil euros. Y con muchísimo aporte de los mismos del equipo y que ahora empiezan ya a recibir. O sea ha sido fundamental. Después de rodar entró a una televisión, lo que nos ha dado ya un poco de empuje, y ahora estamos pendientes de varias reuniones para presentarla en televisión de pago. O sea, que espero que esta presencia en festivales nos va a venir muy bien para tranquilizarnos financieramente.

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‘The macho ultimately wants to be told that he’s loved’: Roberto Sneider, director of ‘You’re Killing Me Susana’

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She loves me, she loves me not. She loves me, she loves me not…

As big a jerk any could be, and jealous like a good Mexican macho, enraged Eligio chases his partner Susana from Mexico City to Iowa in search of an explanation for her unexpected departure. There, he discovers that Susana is dating another man — taller, hairier, with a stronger voice, and who surely has it b…

me-estas-matando-susana“The macho ultimately wants to be told that he’s loved,” said director Roberto Sneider about Me estás matando Susana [You’re Killing Me Susana], a feminist comedy about machismo that highlights the cultural differences between Mexico and the United States.

Based on the 1982 book “Deserted Cities” by José Agustín, renowned author of the ‘La Onda’  literary movement, the film follows the charismatic and amusing character played by Gael García Bernal, a sort of Mexican Woody Allen, in his eagerness to recover beautiful Susana (Verónica Echegui).

“The novel is very imperfect in its writing style, on purpose. It feels rushed because the narration is very passionate,” Sneider said. “I wanted to do something similar. It felt to me that the way to achieve that natural and fresh tone was to allow improvisation and to have a little of that imperfection.”

This is Sneider’s third literary adaptation after Two Crimes (1994) and Tear This Heart Out (2008), based on books by Jorge Ibargüengoitia and Ángeles Mastretta respectively. Born in the Mexico City in 1962, Sneider co-produced Frida with Salma Hayek in 2002, and in 2015 he was executive producer of The Hours with You by Catalina Aguilar Mastretta.

During his visit to San Rafael at the Mill Valley Film Festival last fall, we talked with Sneider about the similarities and differences with the book, the protagonist couple and the memorable scene of the spanking (spoiler alert: skip the last questions if you do not want to know the end of the film).

The director will attend the premiere of his film on Friday, February 24 at the Roxie Theater in San Francisco. Tickets: http://www.roxie.com/ai1ec_event/roxcine-killing-susana-estas-matando-susana/?instance_id=

Roberto Sneider, director de 'Me estás matando Susana', en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara, México, marzo de 2016.

Roberto Sneider, director de ‘Me estás matando Susana’, en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara, México, marzo de 2016.

Your film premiered at the Guadalajara Film Festival, Mexico, as Deserted Cities. Why did you change the title?
The novel is called “Deserted Cities,” and the title of my film was always Deserted Cities for me. But the distributor made me realize that we were going to release the film around the same time as Desert, another film starring Gael. I was told that was not a good idea. And the distributor also suggested to have a title to make the audience understand that it is a movie about a relationship with sense of humor.

ciudadesJosé Agustín is pretty well known writer in Mexico…
José Agustín wrote his first novel in 1964 at age 20, and became an icon for the generation to come. I read his books while being very young, fresh out of high school, close to their dates of publication.

How different is You’re Killing Me Susana from “Deserted Cities”?
To begin with, we moved it from the 1970s to the present, and there is a great cultural difference. And while the novel begins to tell the story from Susana’s point of view, we decided to start from the moment Eligio realizes that his partner has left, without getting her point of view until he arrives looking for her. They were important changes. And all the language, especially the language used in the relationship, is a bit different. And Eligio’s character, too. But the essential problems remain the same.

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And is the humor also present in the book?
See, that is a curious thing because fans of Agustín have commented that they feel that the novel is more serious. I did take it very seriously when I read it, but I also laughed a lot. So I read it like a novel with a great sense of humor.

And does the United States also appear in the novel?
Yes, being a much more important character in the novel. The differences, not only cultural but of infrastructure as well, were much bigger at that time. For example, in Mexico there were no overpasses and you could only buy three types of cars, there was no American chewing gum… And when you came to the United States you saw diversity. José Agustín has fun with all that in the novel, but in the film it was left out because I wanted to focus on the relationship, especially on Eligio’s obsession.

How did you pick Gael García Bernal and Verónica Echegui to play the couple?
Eligio’s character is a real jerk, but an adorable little bastard as Agustín’s writes it. I said to myself, ‘for that you need an actor who has that kind of charisma and sense of humor,’ without betraying a really neat thing in the novel that I wanted to have in my film. And I thought Gael was perfect for that. He did not physically resemble the Eligio I imagined when I read the novel, but I said to myself, ‘there are more essential things in this character to be rescued.’ It was from the very beginning that I wanted Gael in the film.

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Once Gael joined the project we started looking for Susana. We read with many, mostly Mexican, actresses. And in one of those talks with Gael, he said, ‘a long time ago I read in a casting with an actress and we had a very special chemistry, I thought was a very fine actress, she could do very well, why don’t we see Verónica Echegui?’ We immediately realized that there was a very special chemistry.

We thought that was very important, because the film is about this man trying to recover his woman and is passionate about her. It was important to see that this girl sets him on fire. And to Gael, because he is a charismatic type, because he is an attractive guy, this girl forgives him many things. He helps the audience understand why this woman, instead of trying to talk to him says to herself, ‘No, I’m leaving, I’m not talking to him or anything, bye.’

Eligio is a very Mexican macho man, while Susana, of Spanish origin, is perhaps more independent than the average Mexican woman. Two cultures clash in their relationship…
See, the novel does not show that because Susana is Mexican. And once we picked Verónica because of the chemistry between them, we said, ‘If Agustín sends Eligio to a culture different from his own [United States] where his behavior is out of place, it would be interesting to have his partner be of a different culture.’ So that way, his very Mexican behavior towards her is also more out of place than if it were towards a Mexican woman. We thought it reinforced this idea present in the novel.

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Were dialogues improvised in the scenes with Gael and Verónica?
We really wanted the film to feel fresh. The novel is very imperfect in its writing style, on purpose. It feels rushed because the narration is very passionate. And I wanted to do something similar. It felt to me that the way to achieve that natural and fresh tone was to allow improvisation and to have a little of that imperfection. And during the editing we also did something along those same lines, we fragmented the moments with jump cuts. So after having taken that stylistic decision I told the actors, ‘improvise that I’ll cut out afterwards.’

Is your film’s audience more men or women?
I swore it was a film for men, because it has a male point of view. But it does also have what you may call a feminist view, very present in the novel. That of a strong woman who says ‘No, you can be charming, you can be whatever you want, but you’re not getting away with that type of attitude.’ It has become more of a film for women who enjoy watching this passionate man suffer as a result of his behavior.

[SPOILER ALERT: Stop reading here if you do not want to know about the ending]

Izquierda a derecha: Roberto Sneider, José Agustín, Gael García Bernal, Verónica Echegui.

Izquierda a derecha: Roberto Sneider, José Agustín, Gael García Bernal, Verónica Echegui.

Is there spanking in the novel at the end too?
Yes! I loved that about the novel. I think it’s brilliant. An essentially feminist novel ends with a spanking. And you say, it takes balls doesn’t it? I liked it, because it’s a loving thing. It’s not about submission or violence but, ‘I am still a man and you are still a woman, and you have behaved badly with me too, and you have to tell me that you love me.’ Funny, isn’t it? The macho ultimately wants to be told that he’s loved. It is a matter of insecurity that the film talks about.

Totally…
Isn’t it? These macho attitudes that constitute jealousy come from a point of absolute insecurity. But this macho is man enough to admit it and finally say, ‘what I want is this.’ So yes, it is like that in the novel, but see, the difference is that she returns pregnant in the novel.

From another man?
She says the child is his, and he goes ‘and how do I know that…’ I loved that discussion, he goes ‘now you’re going to tell me how platonic your relationship with the Pole was.’ It’s very funny. And he says, ‘Well, if it comes out tall and hairy, I’ll love the baby as if it were mine.’

I wanted to keep that part, but it seemed very hard for me to have a pregnant woman being spanked, and to leave the doubt in the audience as to whether she came back because she is pregnant with him and not because she wanted to return with him. It was torturous at the time of writing. In the end I decided, ‘no, she is not pregnant,’ so that we clearly understand that she returns because she loves him, because in the same way he suffered and grew, so did she. And ‘yes, have him give her some spanking.’ But I could not have my character spank a pregnant woman, you know what I mean?

 

(This interview was originally published in El Tecolote newspaper in a shorter version)

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‘El macho lo que quiere en el fondo es que le digan que lo quieren’: Roberto Sneider, director de ‘Me estás matando Susana’

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Me quiere, no me quiere. Me quiere, no me quiere…

Patán donde los haya y celoso como buen macho mexicano, el despechado Eligio persigue a su pareja Susana de la Ciudad de México hasta Iowa en busca de una explicación ante su inesperada marcha. Allí descubre que Susana está saliendo con otro — altote, peludo, con un gran vozarrón y que de a seguro la tiene más…

me-estas-matando-susana“El macho lo que quiere en el fondo es que le digan que lo quieren”, dice el director Roberto Sneider sobre esta comedia feminista sobre el machismo, que resalta las diferencias culturales entre México y Estados Unidos.

Basada en el libro “Ciudades desiertas” (1982) de José Agustín, renombrado autor del movimiento literario ‘La Onda’, Me estás matando Susana sigue al carismático y divertido personaje interpretado por Gael García Bernal, una especie de Woody Allen mexicano, en su afán por recuperar a la bella Susana (Verónica Echegui).

“La novela es muy imperfecta en su escritura, un poco a propósito, se siente como atropellada porque es muy apasionada la narración”, dijo Sneider. “Yo quería hacer algo similar, nos importaba muchísimo que la película se sintiera muy fresca y di espacio a los actores para improvisar y tener esa naturalidad”.

Ésta es la tercera adaptación literaria de Sneider tras Dos crímenes (1994) y Arráncame la vida (2008), basadas en libros de Jorge Ibargüengoitia y Ángeles Mastretta respectivamente. Nacido en la Ciudad de México en 1962, Sneider coprodujo Frida con Salma Hayek en 2002, y en 2015 fue productor ejecutivo de Las horas contigo de Catalina Aguilar Mastretta.

Durante su visita a San Rafael en el marco del Festival de Cine de Mill Valley el pasado otoño, platicamos con Sneider sobre las diferencias y similitudes con el libro, la pareja protagonista y la memorable escena de las nalgadas (advertencia: saltarse las últimas preguntas de la entrevista si no se quiere saber el final).

El director mexicano asistirá al estreno de su película el viernes 24 de febrero en el Roxie Theater de San Francisco. Boletos: http://www.roxie.com/ai1ec_event/roxcine-killing-susana-estas-matando-susana/?instance_id=

Roberto Sneider, director de 'Me estás matando Susana', en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara, México, marzo de 2016.

Roberto Sneider, director de ‘Me estás matando Susana’, en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara, México, marzo de 2016.

En su estreno en el Festival de Guadalajara, México, tu película se presentó como Ciudades desiertas. ¿Por qué le cambiasteis el título?
La novela se llama “Ciudades desiertas” y para mí el título de la película toda la vida fue Ciudades desiertas. Pero hablando con el distribuidor me hicieron percatarme de que íbamos a salir muy pegados con otra película, Desierto, en la que también salía Gael. Me dijeron que no era buena idea. Y el distribuidor dijo que sería bueno que el título nos hiciera entender que es una película con sentido del humor sobre una relación de pareja.

ciudadesJosé Agustín es un escritor muy reconocido en México…
José Agustín escribió su primera novela en 1964 a los 20 años, y se volvió un ícono para esas generaciones. A mí me tocó leerlo siendo muy chavo, recién salido de la prepa, todavía cercano a su fecha de publicación.

¿Qué tan diferente es Me estás matando Susana de Ciudades desiertas?
Para empezar, la trasladamos de los 1970 a hoy en día, una gran diferencia cultural. Y mientras que la novela empieza a contar la historia desde el punto de vista de Susana, nosotros decidimos empezar del momento en que Eligio se da cuenta que su mujer se fue, sin conocer el punto de vista de ella hasta que él llega por ella. Fueron cambios importantes. Y todo el lenguaje, sobre todo el lenguaje de la relación de pareja, es un poquito distinto, y el personaje de Eligio también… Pero yo creo que los problemas esenciales siguen siendo los mismos.

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¿Y el tono chistoso también está en el libro?
Fíjate que es una cosa curiosa porque hay gente muy fan de Agustín que ha comentado que sienten que la novela es más seria. Y yo la verdad sí la tomé muy en serio, pero me reí muchísimo. Entonces yo así la leí, como una novela con muchísimo sentido del humor.

¿Y Estados Unidos también sale en la novela?
Sí, y es un personaje mucho más importante. Pero las diferencias no sólo culturales sino de infraestructura y de ese tipo de cosas eran muchísimo más marcadas en aquel entonces. Por ejemplo, en México no había pasos a desnivel y no se podían comprar más que tres tipos de coches, no había chicles americanos… Y al llegar a Estados Unidos veías una diversidad. José Agustín se divierte con eso en la novela, y en la película quedó fuera porque yo quise centrarme en la relación de pareja, sobre todo en la obsesión de este personaje, Eligio.

¿Cómo escogiste a Gael García Bernal y Verónica Echegui para interpretar a la pareja protagonista?
Eligio como personaje es un verdadero patanazo, pero un patanazo adorable por la pluma de Agustín. Yo me dije ‘para eso se necesita un actor que tenga ese tipo de carisma y sentido del humor’, sin traicionar una cosa de verdad muy neta que hay en la novela y que yo quería en la película. Y Gael me pareció perfecto para eso. Quizás no se parecía físicamente al Eligio que me imaginé al leer la novela, pero me dije ‘hay cosas más esenciales en este personaje que hay que rescatar’. Fue desde muy al principio que yo quise a Gael en la película.

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Una vez con Gael en el proyecto empezamos a buscar a Susana. Leímos con muchas actrices, sobre todo mexicanas. Y en una de esas pláticas con Gael, me dijo ‘yo leí en un casting hace mucho tiempo con una actriz con la que tuvimos una química muy especial que me pareció una actriz finísima que podría estar muy bien, ¿por qué no vemos a Verónica Echegui?’. Inmediatamente vimos que había una química muy especial.

Nos pareció que eso era importantísimo, porque la película trata de este hombre tratando de recuperar a su mujer, apasionado por ella. Era importante ver que esta chava lo prende. Y a Gael, porque es un tipo carismático, porque es un tipo atractivo, esta chava le perdona muchas cosas. Él ayuda a que se entienda por qué esta chica, en lugar de tratar de hablar con él dice, ‘no, me voy, ni hablo con él ni nada, chau’.

Eligio es un hombre muy mexicano y machista, mientras que Susana, de origen español, es quizás una mujer más liberada que la mexicana. Como que esta relación enfrenta dos culturas…
Fíjate que en la novela no está eso porque Susana es mexicana. Y una vez que pensamos en Verónica por la química que había entre ellos, nos dijimos ‘si Agustín manda a Eligio a una cultura distinta a la suya [Estados Unidos] donde su comportamiento queda fuera de lugar, sería interesante que su pareja fuera de una cultura distinta’. Y entonces ante ella, su comportamiento muy mexicano, también está más fuera de lugar que si fuera para una mexicana. Nos pareció que reforzaba esta idea de la novela.

me-estas-matando-susana¿Se improvisaron los diálogos de las escenas con Gael y Verónica?
Nos importaba muchísimo que la película se sintiera fresca. La novela es muy imperfecta en su escritura a propósito, se siente atropellada porque es muy apasionada la narración. Y yo quería hacer algo similar. Me parece que la forma de lograr que ese tono que se sintiera tan natural y fresco era permitiendo la improvisación y que tuviera un poco esta imperfección. Y en la edición lo hicimos también, fragmentamos los momentos con jump cuts. Y habiendo tomado esa decisión estilística les dije a los actores, ‘improvisen, que yo voy a quitar’.

¿Es tu película para hombres o mujeres?
Yo juré que era una película para hombres, porque el punto de vista es masculino. Pero también hay una visión que se puede llamar feminista, muy presente en la novela, que es el de una mujer fuerte que dice ‘No, tú podrás ser encantador, podrás ser lo que quieras, pero no vas a salirte con la tuya con ese tipo de actitudes’. Se ha vuelto más una película para mujeres que disfrutan de ver a este hombre apasionado sufrir a consecuencia de su comportamiento.

[Advertencia: a continuación se revela el final de la película]

Izquierda a derecha: Roberto Sneider, José Agustín, Gael García Bernal, Verónica Echegui.

Izquierda a derecha: Roberto Sneider, José Agustín, Gael García Bernal, Verónica Echegui.

¿Y en la novela hay nalgadas al final también?
¡Sí! Me encantó eso de la novela. Me parece genial. Una novela esencialmente feminista acaba con unas nalgadas. Y dices, ¡requiere huevos no! A mí me gustaba, porque es una cosa cariñosa, no es una cosa de sumisión ni de violencia, sino de ‘yo sigo siendo un hombre y tú sigues siendo una mujer, y tú te has portado mal conmigo también y me tienes que decir que me quieres’. ¿Es curioso no? El macho lo que quiere es que le digan que lo quieren. Es una cosa de inseguridad de lo que habla la película.

Totalmente…
¿No? Estas actitudes machistas que son los celos vienen de un punto de inseguridad absoluta. Pero este macho es suficientemente hombre como para admitirlo y decir finalmente, ‘lo que quiero es esto’. Entonces, sí es así en la novela, pero fíjate la diferencia es que ella regresa embarazada en la novela.

¿De otro?
Ella dice que de él, pero él le dice ‘y cómo sé que soy yo…’ Esa discusión me encantaba, le decía, ‘ahora me vas a decir qué tan platónica fue tu relación con el polaco’. Es muy gracioso. Y le dice, ‘bueno ya si sale altote y velludo pues ya lo querré como si fuera mío’.

Yo me quería quedar con eso, pero me parecía muy duro que agarrara a nalgadas a una mujer embarazada, y que además nos quedáramos con la duda de si regresó porque está embarazada de él y no porque quería regresar con él. Fue una de las torturas al escribir. Al final ganó decir ‘no, que no esté embarazada’, que entendamos claramente que regresa porque lo quiere, porque así como él sufrió y creció, ella también. Y que sí le dé sus nalgadas. Y yo no puedo poner a mi personaje a dar unas nalgadas a una mujer embarazada, ¿entiendes?

 

(Entrevista publicada originalmente en el periódico El Tecolote)

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‘Walking Distance’: Interview with Alejandro Guzmán Álvarez and Martha Claudia Moreno

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An obese man, his grouchy sister, the skinny brother-in-law and a youngster who works in a photo store are the charming characters featured in the film Walking Distance [Distancias cortas], “an urban fairy tale about a 440-pound man who has trouble moving,” in the words of Alejandro Guzmán Álvarez.

qmzyqc0j“Walking distance can also be very long,” said the Mexican filmmaker about his entertaining and funny first feature film, produced by the Centro de Capacitación Cinematográfica in Mexico City, where Guzmán migrated to study cinema. “A country boy who went to the big city.”

Originally from Mazatlán, Sinaloa, where as a young man he drew film-based comic strips for a newspaper, twenty years later Guzmán makes frank cinema without any glitz, by telling a story in a simple, human, lovely manner.

We talked with Alejandro Guzmán Álvarez and the actress Martha Claudia Moreno after the screening of  Walking Distance at the Guadalajara International Film Festival in México — about the feelings in this turbulent relationship between brother, sister, brother-in-law and young friend.

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Congratulations to both of you for this fun, charming movie from beginning to end. The audience laughed and really enjoyed the screening yesterday. Alejandro, how did you work with the actors to achieve that sense of humor, that freshness?
[Alejandro] The starting point was the script written by Itzel Lara, our dramatic, emotional map for the film. And obviously, the contribution of the actors to their characters also helped. I was very careful when selecting the actors, since I wanted them to have some trait of the characters.

Paulo’s character, this young lover of comics, despite being a little lonely he is the engine of the relationship of the male trio. He is a fun character, very energetic, very purposeful. And Joel [Isaac Figueroa], the actor playing this part, is also that way to some extent. He is the heart of the trio, the one who is always pushing, the machine that pulls the other two out of their routine and boring life. He helps them move on, have another point of view in life. Same in the case of Martha Claudia for her character of Rosaura. She had many physical characteristics that related her to Federico, because they had to be brother and sister in fiction, and it was important they looked alike. And Martha also has some character…

(Izq. a dcha.) Mauricio Isaac, Alejandro Guzmán Álvarez, Itzel Lara, Martha Claudia Moreno y Luis “Luca” Ortega durante la presentación de ‘Distancias cortas’ en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara, México, marzo de 2016. Foto cortesía Arturo Campos Cedillo.

Grouchy character! She keeps scolding her brother on and on… Martha, tell us about your character Rosaura, a controlling woman…
[Martha] A little, yes. She had to be the adult in the family. In families you have to take certain roles since childhood, and she happened to be the responsible one, the adult. That is why she takes responsibility for her brother. That’s why she’s so cold.

[Alejandro] Rosaura ends up being the antagonist. She is the one who takes care of him, and that care stems from the fact that she adores her brother, she loves him and wants what is best for him. But, simply put, she does not place the thermometer in the right place and it gets out of hand. So we worked on that kind of relationship with Martha Claudia. It is not that she wants to make life impossible for her brother Federico, that she’s a villain in the strict sense of the word, but she does it out of love, because she cares.

Martha, the other day you said something very interesting in the sense that Rosaura is annoyed by Federico’s situation, who has this problem of being overweight, who finds it hard to do anything, and who is very likely to die young… Rosaura knows it, and she’s very angry, but she’s angry because he loves him, because she does not want to lose him.

[Martha] It’s easier for her to be angry than devastated because of his condition. She’d collapse if she’d be on his side, her heart would break apart and she’d be depressed. The unconscious and affections are like that, they seek to balance out. So the balance, even though it may seem aggressive, is a mechanism to make him react.

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And Rosaura finds her brother’s sudden hobby for photography pointless.
[Martha] But beyond photography, she wants him to take care of himself, she wants him to eat well, to care for his body…, the most elemental things.

Is the script written by Itzel Casas based on personal experiences?
[Alejandro] The script is inspired on her mother and brother, who had a degenerative, genetic disease that makes mobility gradually more painful in patients. They find it hard to move, even to reach out to grab a bag. Walking to the bathroom or to the kitchen to pour a glass of water is a very long distance for them, a very painful adventure. And here is were the play on words lays, the metaphor that walking distances can also be very long distances. It all depends on how you look at things

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Itzel did not want to directly address the issue of her mother’s and brother’s illness, so she found many similarities with people suffering from morbid obesity, because the exact same things happen to them. For a person suffering from morbid obesity, advancing 50 or 100 yards can be exhausting. I was very involved with a group of people waiting to have a gastric bypass surgery done while doing research for Federico’s character. I spent some time in a hospital with different groups and it really changes your perspective on things. It helped me a lot to later work with Luis “Luca” Ortega as an actor ,and to place the camera when we were filming. You get up in the morning, go to work, come back home, spend time with your family, have dinner… but you are not aware of your body.

The film’s first shot is amazing. We can see Federico’s massive body from behind, setting the story so well right from the beginning…
Yes, it is massive. We are not really aware of how much we depend on our body until we get sick, old or, if we have a morbid obesity problem like that of Federico Sánchez. Tying our shoelaces in the morning may be the most ordinary thing in the world for us without even being aware of it. But for a person who suffers from morbid obesity, it is a big job. That person feels the presence of the body as if carrying a corpse. It is not just your body, but another body on top of it.

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So, Itzel wrote the script for you, or how was the thing?
No, she worked out the script as part of a workshop called Almadía, with Pablo Markovic, sponsored by IMCINE in Mexico City. After the workshop, the script was published and nothing happened to it. At the time, I had been working on another project for two years and I was immersed in a spiral which I did not like. So I put it aside and started to look for a new project. I talked to writer Gibrán Portela [The Golden Dream, Güeros] and told him, ‘Hey, help me with your fellow writers to see if anyone has any projects to make it into a film.’ And among all those projects Itzel Lara’s popped up. It trapped me that same night I first read it. I fell in love. I could hardly sleep.

It feels like a movie directed with passion, your first feature.
Yes, it was very curious. Shortly after I read the script I learned it had already been published. I could not understand how it had not been made into a film yet, how such a good story with such lovely characters would not have made it happen.

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And you did research in a hospital to prepare before the shoot you said…
It was a lot of research, and at the same time I was also looking for someone to play Fede’s character. I didn’t know any actor who had Fede’s physical characteristics, who weighed some 440 pounds. I knew I had to chose a person who suffered the disease or something similar. So it just happened that my photographer told me she had seen someone at a film’s premiere party and met a musician named Luca Ortega. I looked him up on Facebook to figure out who he was. I sent him the script and it took him three weeks to answer. We met in a cafe and he told me that, even though he was not an actor, he was interested in starring in the film, with the one condition that he’d compose the music for the film.

Well, thank you for making an enedearing film with such a positive message, unlike much of the Latino films we see in the United States that revolve around miseries like war, poverty, injustice… I hope San Francisco audiences get to see Walking distance.
As a matter of fact, someone was asking us on Facebook yesterday about the dates for these type of things to arrive in San Francisco. Well, I hope that it is soon!

 

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